International Photographers Association of Los Angeles 洛杉磯國際攝影家協會

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Making You a Star

JerryLi.com

Leica S, SL, M240, M9P, M8, Q, X.

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我好像没有置顶的权限， 至少我没有找到怎么用。

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Canon 1D X 24-70/F2.8L 70-200/2.8 L IS 580EXII 85/F1.2 L 35mm/F1.4 50mm/F1.4

LX-5

洛杉矶婚礼，婚纱摄影师。
Los Angeles Wedding Photographer
Blog:
http://www.photobyjohnli.com/cn

歡迎大家這個禮拜五，將您的寶貴的經驗以及對舞台攝影的見解帶到沙龍的活動裏。我們將會有深入的研究及討論，請看這禮拜五的活動公告。

很久没有这么精彩的讨论了。。。。。继续。。还要顶置，，，，把你们认为好的照片贴出来，让大家欣赏

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在网上截了王小京的“荷花绽放”，转载给大家学习，相信排空不会介意。。。。 连股沟都看到了就是这张。

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Stage photos can be artistic. One of my stage photos has received acceptances three times in an international photo salon.

頂一下。。。

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johnusa88@hotmail.com

老k厉害，哪里找到的？那天我也想找这张，找了近两小时，最后还是只能放弃。

这是以前收藏在我的图片库里参考学习用的。

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转载：

由于工作关系，常常有人对我谈起舞台摄影。起侃就是我拍舞台有多么多么专业，实际上根本谈不上专业；确切地讲，应该称职业，职业摄影师吧。我在山西省歌舞剧院从事摄影工作多年，虽无拍出什么大作，却也积累了不少经验，不怕见笑，权当是经验之谈吧。

用心拍舞台，这个题目我琢磨了很久，他有两重含义：其一是动脑筋去拍；再者得认真去拍。也无外乎还是亚当斯所讲的那样—想象与控制。

谈起摄影，你首先面对的就是拍什么的问题。舞台摄影究竟拍什么？在此我们研究的不是拍摄对象，只要舞台上演的就是你的拍摄对象，这不成问题；问题是如何把拍摄对象变成你想象的作品，这就要用心了，要动脑筋了。

舞台摄影是以一种艺术形式去表现另一种艺术形式。因而你要对摄影与舞台艺术表现方法有一个深入得了解，尤其是它们的不同点有一个清醒的认识。演员是通过连续声、形来表现内容的；而图片是以瞬间的形式来表现内容。如何用固定的图片去表现流动的舞台这是摄影师要解决的第一个难题。

首先，要去了解你所拍摄的剧目。它所表现的内容是什么？剧目的高潮在那里？谁是主角？有可能的话，你最好能看一遍。要多看，要去观察，找到能通过图片去表达剧目创作思想的切口，想象中的映象要与剧目的主题吻合。你要能找准你的想象应该定格在那里，做到了这一点，至少你已经矢之有的了。

其次，要根据对不同的舞台艺术形式有所了解。要用心去观察它们时间顺序，空间位置；也就是事先想象在什么时间，什么位置能够拍到你所想象映像。来选择你的拍摄角度。我接触较多的是歌舞和音乐，由于大多是现场演出不允许过多地移动机位，有些场合根本就不能动。所以，开演之前就要选好你的拍摄位置。你不提前看好，不用心去观察；到时候 你就只能干看着。

再者，对于舞台题材的不同特点，来确定你拍摄的主角是谁？选对了，你的主角会替你去表现整个主题；错了，你的图片会匪夷所思，不知所云。这也是需要摄影师要用心去考虑的问题。比如，我在拍交响乐演奏时，在确定主角上颇费了些功夫。不同的乐曲，在不同的时间有不同的主角。一会是提琴，一会是小号，接着是马祖卡……。究竟谁是整个乐曲的主角呢？仔细观察发现：贯穿始终的主角只有一个——指挥！主角找到了，你就可以全神贯注地观察他，从他身上找到你想象的瞬间。

随后，就要用心去研究哪一个瞬间能够表现你所构想的主题。这是由舞台艺术转化为摄影艺术的关键所在。我们常说：“细节决定成败。”你一定要从你主角身上找到能够体现主题的神态、形态，选择有感染力的一刻；能够打动观众的往往也就是能够打动读者的瞬间。当你用心记下你构想中的一幕一幕，你的创作也就成功了一半了。

另一半，就看你平时练就的拍片的功底有多厚了。把你的想象变成实实在在的影像，你还需要有相当的控制能力。

首先，你对器材的控制能力。在这儿提出这样的问题，似乎有点幼稚；但就有些摄影师恰恰就是对自己的器材不够了解，而把整个事情搞砸！你应该认真地对待这个问题，很多时候不是机器的问题，而是人的问题。没有一种相机是万能的，需要你善待它，用心的掌握它。我不赞成动不动就换机子，片子拍不好就认为是机子不好。难道亚当斯、布勒松、卡帕用的相机比我们现在还好吗？要潜下心来发现你现有器材的特点，把它们的性能充分挖掘出来。我对购买器材的观点是：够用，实用，耐用就可以了。

其次，你对光线的控制能力。舞台基本纯属灯光照明，舞台灯光有很强的专业性，光线比较复杂。碘钨灯、碳弧灯、荧光灯，再加上各种各样的色片，色温是遇到的第一个麻烦。把握不好，会搞的所拍非所想，色彩无法还原。解决的办法是使用适当的滤色镜。使用数字相机后，使用自动白平衡，这个麻烦少了点。另一个是灯光的方向与你能选择的位置的矛盾。拍过舞台的人都有这种体会，台下拍是总是夹光，演员的脸部时常是很暗；解决这一矛盾的方法是选择稍侧一点的机位，抓住追光照亮演员脸部的时机。如果允许台上两侧也是不错的选择。

再者，背景的选择也是能否突出主体的重要环节。要根据人物着装、服饰的色调选择合适的背景避免靠色和溶调，以突出主体。我喜欢利用黑色的侧幕条作为背景。

还有，曝光也令是摄影师头痛的一件事情。舞台照明不均匀，而且根据剧情的需要在不断地变化。

曝光模式：我喜欢使用快门数度测光优先，要表现动感的舞台，快门速度的选择对影像的控制至关重要。慢速度是相机能利用空间概念去体现时间概念很好的方式。我有很多比较满意的作品就是利用慢速度拍摄的。某种意义上说，快门速度舞台摄影影像控制的关键。究竟用什么样的光圈与速度？又是那句老话：“具体事物，具体对待。”要根据你所想象的主题需要什么样的光圈和速度来控制。

测光模式：胶片机，我建议使用ISO400的胶片，中央重点测光模式，按亮部测光；数字机：感光度设置ISO320,点测光模式，按主体脸部测光。

舞台摄影说到底也是摄影的一种形式，它同样也要遵循摄影艺术创作的规律。要真正的把握它，除了平时练就的摄影基本功外。我认为，只要你用心去想，细心去做，把你的想象与你的控制能力有机地结合起来，你一定能拍到优秀的舞台摄影作品。我看过许多有关舞台摄影的文章，长篇累牍地讲用什么样的相机，什么样的镜头，甚至光圈，速度是多少都讲得很明晰。但是大都疏忽了一点，操作机器的是人。人要用心去拍，这才是舞台摄影的真谛。你用心去想，用心去做了，你在作品中注入了思想，注入了感情，你的作品才能打动读者，才能称得上是好的作品。


二〇〇六年四月于太原

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200/f2 乃舞台镜之王, IQ天下无敌

欢迎新朋友上来玩，胶片时代，N家这只200/f2，确实是个神器， 你有这只头吗？是否带微距？

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阅读前面大师们的精彩文章, 在下不禁手养, 冒昧之处请多见谅
此相片的EXIF 如下:

Camera Model = NIKON D3
Exposure Time = 1/400 second
Lens F-Number = ƒ/2
ISO Speed Ratings = 400
Original Date/Time = 2010:03:28 15:05:42
Metering Mode = spot (3)
Flash = Flash did not fire
Focal Length = 200/1 mm ===> 200 mm
Exposure Mode = manual exposure (1)
White Balance = manual (1)
Contrast = normal (0)
Saturation = normal (0)
Sharpness = soft (1)

像机装备再次显示王者之风,无话可说
相片本身及EXIF数据,可聊的地方很多…………